O LIVRO DOS MONSTROS GUARDADOS

Qualquer sala de espera, ou fila, é algo que torra paciência. Sem um livro ou smartphone em mãos para passar o tempo, o que fazer? Eu invento vidas para quem está ao meu redor. Pela roupa e comportamento, crio nome, dou morada, profissão, estilo de vida, voz. E tudo olhando para a pessoa que nunca vi na minha vida! Sou maluco?

Todos nós temos segredos guardados além de sete chaves. Coisas que não contamos nem na terapia. Vergonha de descobrirem seu podre? Desejo de ter algo para si que ninguém mais saiba? Dia sim, dia também alguém joga uma bomba no facebook: gosto deste cantor brega, como macarrão com feijão, durmo de pijama do Bob Esponja, me julguem! E, na maioria das vezes, o “eu também!!” de vários “pecadores” se segue à confissão do corajoso.  Ninguém tem a cara de pau de expor suas melhores ou piores atitudes, sejam elas sexuais,  comportamentais, seja em família ou em rodas de amigos. Pensamentos que a sociedade recriminaria, atitudes que levariam cristão à chibata! Todos temos. Porém, não se esqueçam: pensamento é comportamento.

Está em cartaz no Teatro do Centro Cultural da Justiça Federal “O Livro dos Monstros Guardados”, texto de Rafael Primot. Bebendo na fonte dos filmes Babel, Crash, entre outros, as histórias, contadas em primeira pessoa pelos próprios personagens, se interligam em um simples acontecimento, seja ele a demissão de um funcionário, o atropelar de um cachorro, um bate-papo virtual, uma vizinha de prédio. Tem louco que confessa sua sanidade para usufruir da boa vida, tem homem de família com as maiores taras sexuais, tem menina que aceita por conveniência viver com a mãe e a “tia” amiga da mãe, tem o funcionário da locadora que nunca transou, o menino com problemas na bexiga intrigado por uma velha na janela e uma atendente de Organização de Valorização da Vida que resolve fazer justiça com as próprias mãos. Confessar, pra que?

Rafael toca em tabus sociais e dá voz a pensamentos mirabolantes, atitudes escabrosas e reais, que a podre humanidade pensa e age em sigilo. Podres poderes? Possíveis de serem realizadas na escuridão e no anonimato? São realmente monstros que devem ficar guardados? O texto é ótimo, fluente, dinâmico, criativo e engraçado. A chegada deste O Livros dos Monstros Sagrados ao teatro é em boa hora. Se demoraram a montar, se ficou dormindo na gaveta, como diz uma amiga, Deus Agenda Tudo. Eis a resposta!

Com toda sua sabedoria e competência de sempre, João Fonseca empresta seus monstros guardados para a direção da peça. Valorizando a palavra, partituras corporais, definindo com poucos objetos o cantinho de cada personagem. Amo muito tudo isso!! Teatro como eu gosto. Rafael também assina a direção.

Nello Marrese no cenário e figurino sempre com bom gosto e Adriana Ortiz na luz competente, encabeçam a equipe técnica que tem ainda João e Rafael como compiladores de trilha sonora. Tudo com o apoio dos grandes Letícia Napole e Giba Ka na produção.

É o elenco que, além do texto, mais brilha neste espetáculo. Rafael Primot, faz muito bem o maluco-são (personagem criado por Daniel Pellizari no conto "O Voo das Ovelhas"). Será são mesmo? Carolina Pismel dá um show como a pequena Magali! Aplausos de pé em cena aberta! Jefferson Schroeder, também excelente como o maníaco por limpeza, cada vez brilhando mais em seus personagens, melhora a cada trabalho. Leandro Daniel apresenta um homem com todas as taras sexuais possíveis e encara de frente o desafio de falar um texto muito difícil, sexualmente falando, sem o menor pudor ou vergonha, totalmente protegido pelo personagem. E faz com muita qualidade e verdade. Erom Cordeiro é o atendente de locadora, cuja monstruosidade é atropelar cachorros (personagem criado por  Daniel Galera para o texto "Manual para Atropelar Cachorro"), mas, por outro lado, é um sexualmente reprimido, o que para os psicanalistas de plantão seria uma compensação. Erom é forte em defender o papel.  Laila Zaid, engraçada por si só, vive a atendente da empresa de valorização da vida e passa verdade em suas atitudes. Não menos importante, Guilherme Gonzalez tem a difícil missão de viver um garotinho com problemas na bexiga e que tem a curiosidade sobre uma senhorinha na janela a caminho na escola. São trabalhos bastante individuais, eficientes e, no todo, formam um elenco dos melhores.

Tenha você o seu monstro, a sua história guardada, mas não perca este espetáculo. Um ótimo texto, atuações de qualidade, que valorizam a nova dramaturgia brasileira, mostrando a garra que a arte de escrever e atuar precisam para o teatro se manter vivo! Leve seus monstros ao teatro e vá assistir o mais rápido possível a’O Livro dos Monstros Guardados às quartas e quintas, até fim do ano, depois voltam em janeiro!!

Viva Marília Pêra!

Quando assisti a'O Mistério de Irma Vap, no teatro Casa Grande, descobri a paixão pelo teatro. Foi ali que fui mordido. Ali que eu comecei a sonhar com teatro. Quem dirigiu? Marília Pêra. 

Assisti a várias peças encenadas por ela e sempre babei pelo seu trabalho. Quando vi Hello Dolly, recentemente, também no Casa Grande, sentei na segunda fila e, de lá, sentia seu perfume, não tirava os olhos dela no palco. Ao final, esperei pra falar com amigos do elenco. Ela saiu, mas não tive coragem de falar com ela. Eu a amava como profissional e atriz. Todos temos nossas favoritas. Marília era a minha favorita. É. 

Em 2014, fizemos uma celebração à vida. Em homenagem ao dramaturgo Luiz Carlos Góes, meu amigo Joaquim Vicente montou um cabaré-festa-celebração no Teatro Cândido Mendes. Ele meu deu uma incumbência: "Você fica à disposição da Marília. Ela vem e só você pode cuidar dela". Olha a reponsa... Eu estava do lado de fora do teatro, onde já aconteciam as leituras e cantorias. Ela chegou, me apresentei com "seu criado". Ela riu e disse "deixa de ser bobo!". Rimos. Eu, tenso, fiz várias perguntas, no que ela simplesmente me olhou e disse "Tantas perguntas..." . Ri e me calei. Eu estava tremendo. Ela notou e riu "Não fique nervoso." Relaxei. Passamos 3 minutos juntos os dois. Vendo uma apresentação. Ela comentou coisas comigo que não lembro, mas concordei pois ela sabia de tudo. Rimos. Ela sentou-se na cadeira e eu ali, um olho na atração outro na Marília. Deu tudo certo. Ao final, ganhei mais 1 beijo. Amor eterno.

Ao Joaquim, que me deu este presente, muito obrigado.

À Marília... meus aplausos sem fim. Obrigado. Obrigado. Obrigado.

TALK RADIO

Há pouco tempo, vimos na tv embates aos domingos entre Faustão e Gugu pela audiência. Um atacou de Mulher-Sushi. O outro de entrevista com facção criminosa. Não importava a qualidade do quadro, mas manter as pessoas ligadas no canal. Tivemos também a estreia do Pânico na Tv, onde ridicularizar o povo era a piada. Surgiram apresentadoras-polêmicas: Márcia Goldshmith e Cristina Rocha, onde o que vale é o povo na tv, se estapeando. Ratinho chegou e juntou tudo isto no seu programa, que, no início, levou a Vênus Platinada a arrancar os cabelos, com as brigas no palco por conta do exame de DNA, matérias de apelo sexual e histórias do povo, para o povo. É esta a voz de Deus? “Aqui e Agora”  e apresentadores Marcelo Rezende e Datena, viraram febre dentre as vozes oprimidas. As agruras e mazelas (duas palavras que só usaria mesmo neste espaço!) do dia a dia elevadas à enésima potência mantêm audiência. Até quando?

Criado em meados de 1940 nos EUA e apresentado por um jornalista que faz debates ao vivo, escolhendo a melhor (ou pior?) história para dar voz aos que precisam desabafar, nasceu um programa de rádio que gera bate-papo entre ouvintes e deixa a audiência lá em cima. Assim é, resumidamente, a linha dramática da peça Talk Radio. Vários ouvintes são postos no ar, pelo comunicador, e seus dramas são, ora botando dedos nas feridas, ora achincalhados, pelo próprio comunicador. E todos gostam! O texto premiado do autor Eric Bogosian e traduzido por Leonardo Franco, é inteligente tanto em diálogos, drama, quanto na tensão.

Leonardo Franco é Barry Champlain, o comunicador. Um ótimo trabalho de composição. Voz de locutor afiada, nos faz ficar com raiva, medo e torcendo para que ele implique, sacaneie e diga umas boas verdades ao ouvinte do momento. Uma grande interpretação! Stela Maria Rodrygues faz uma assistente de estúdio (e também ouvintes da rádio) com interesse pelo locutor. Linda em cena, Stela mostra um lado de atriz neste espetáculo, bastante diferente dos musicais que participa. Alexandre Varella é Dan, o produtor e outro ouvinte, que enfrenta e ameaça Barry; Marcelo Aquino é o fiel assistente de estúdio, sempre tomando bronca de todos os lados (como sempre, a culpa é da produção...); Bernardo Mendes faz Kent, um drogado que liga para a rádio dizendo que sua namorada está morrendo aos seus pés. Será verdade? Será pegadinha? A tensão deste personagem gera ótimos momentos na peça. Raul Franco faz vários ouvintes, sempre diferentes um do outro, e com bastante competência. E Mariana Consoli é ótima até dormindo! Como vem crescendo ao longo das peças que trabalha!!!

José Dias assina uma cenografia que auxilia a direção, com estruturas de ferro que permitem movimento dos ouvintes, deixando-os mais altos, ao fundo do palco, e uma mesa de locutor com tudo que é preciso para aquele trabalho. Uma aula de cenografia adequada e funcional. O figurino de Luana de Sá, em tons escuros, valoriza as expressões faciais, a palavra, e deixa claro o clima sombrio do estúdio, das vidas, dos dramas. A luz de Adriana Ortiz complementa a cenografia, se faz presente pela qualidade de sombras e focos. A trilha sonora de João Paulo Mendonça é acertada e Cynthia Reis contribui favoravelmente na direção de movimento.

Maria Maya é craque. Como atriz e, agora como diretora, nascida em berço esplêndido, tem no DNA a sabedoria de conduzir uma história. Como tudo se passa num estúdio, os ouvintes não poderiam estar apenas em vozes em OFF. Maria traz, não só para a cena, como os coloca em destaque, sem ofuscar o comunicador. Além disso, monólogos de alguns personagens da rádio são muito bem incluídos no ambiente, fazendo a plateia de cúmplice, aproximando-os do palco. Gosto muito de ver como, além de ótima atriz, Maria Maya vem se realizando trabalhos competentes, escolhendo boas peças para dirigir. Merece um reconhecimento. Claudia Ricart é a diretora assistente com grande experiência que contribui para este belo trabalho do conjunto.

Hoje em dia, com a internet, e as redes sociais, estamos vendo uma “legião de imbecis” tendo voz. Agora, com blogs, facebook e twitter, gente como eu, imbecil total, pode falar o que quiser, sem precisar de um locutor, comunicador, apresentador, esperar sua ligação telefônica ser atendida, para falar as asneiras e verdades, desabafar e denunciar, propagar inverdades e defender injustiçados. Recentemente vimos brigas por conta das tragédias diferentes entre as barragens rompidas de lamas tóxicas em Minas Gerais, e o fuzilamento e explosão terrorista de inocentes que estavam se divertindo em uma capital europeia. Tragédias anunciadas e bastante diferentes, mas cujas vozes dos imbecis de plantão criaram uma outra guerra. Culpa da mídia que explora os dramas com parcialidade? Culpa da rádio, que, lá atrás, em idos de 1940, deu voz aos trágicos dramas do cotidiano?

Talk Radio é um espetáculo sobre como o indivíduo perdeu a importância, diante da necessidade capitalista do “temos que vender, temos que dar audiência, temos que valer os patrocínios”. E afinal, não é tudo uma questão de “quem dá mais”?. Vá já ao Teatro Solar de Botafogo, um dos meus favoritos no Rio de Janeiro, e se envolva com este ótimo espetáculo!

"Redes sociais deram voz a legião de imbecis, diz Umberto Eco" - matéria abaixo

http://noticias.uol.com.br/ultimas-noticias/ansa/2015/06/11/redes-sociais-deram-voz-a-legiao-de-imbecis-diz-umberto-eco.jhtm

COMO ELIMINAR SEU CHEFE

Tive chefes incríveis. Uns gostei mais do que os outros, pois foram mais marcantes. Todos me ensinaram muito sobre o trabalho e, principalmente, sobre vida. Sou parte criação dos meus pais, parte criação da sociedade e boa parte criação dos meus chefes. Será que lembro os nomes? Roberto, Tarcísio, Elba, Frederico, Hierón, De Bem, Rosana e Gama. Nunca, nunca e nunca quis eliminar qualquer um deles. Se eu fiz alguma cagada, e fui repreendido, eles tinham a razão e foram me ensinando a fazer o certo. Todos sempre foram muito educados, simpáticos, divertidos e compreensivos comigo. Ainda gosto de todos e, sempre que posso, pergunto a quem os conhece, como vão.

Está em cartaz no Teatro Carlos Gomes, a comédia em formato musical, “Como Eliminar Seu Chefe”, adaptação de Flavio Marinho, sempre craque, para o texto de Patrícia Resnick com musicas e letras da cantora Country americana Dolly Parton (que não é a dona do guaraná vendido pela Rede TV - ok, piada infame). Tanto o filme, quando a peça, tem nome, em Inglês,  “9 to 5”, algo como “de nove às cinco”, duração do expediente. Flávio Marinho atualizou para “de nove às seis”, para ficar mais sonoro em português e funcionou.

A peça conta a história da secretária veterana, cansada de ter que suportar os mandos e desmandos do chefe autoritário e incompetente; da secretária novata que tem que se adaptar aos insuportáveis memorandos corporativos, administrativos, que só fazem arrochar os funcionários; e da secretaria bonita, loura e gostosa que leva fama, sem deitar na cama, de ser amante do chefe, e que, por isto, é odiada por todos. Claro que elas se unem para eliminar o tal chefe, colocar ordem no coreto e atingem ao objetivo, que só indo ao teatro poderá ficar claro sobre qual foram os meios que justificaram o fim.

Claudio Figueira é o diretor geral, diretor de produção e coreógrafo, o que ajuda na concepção tanto de marcas, interpretações, controle financeiro e ocupação do palco. E o resultado é bom. Os números musicais são bem armados, as coreografias bem encenadas. Tanto a direção das atrizes quando do espetáculo são bem pensados sempre em busca do que melhor pode ser apresentado ao público. Apenas uma consideração para melhorar a peça: o número de sapateado precisa ser microfonado no piso, pois não escutamos o bater das solas no chão, que é justamente o que causa a emoção do sapateado. Cláudio é um guerreiro, pois tem um elenco numeroso, músicos e toda uma produção ao seu redor. E ainda assim faz um trabalho competente.

A cenografia de Clívia Cohen é um de seus trabalhos mais bonitos em teatro. A sala do chefe, a repartição, os pequenos ambientes, todos abraçados por painéis no melhor estilo Niemeyer, que lembram tanto construções dos Ministérios em Brasília, quanto prédios assinados pelo arquiteto renomado. Os paineis ficam muito bem colocados em cena, tanto como coxias quanto fundo de palco. O capricho do cenário é evidente. Lá vou eu dar outra sugestão: ficou estranho vários contra-regras entrando em cena para movimentar o cenário. Uns com óculos de leitura pendurados no pescoço, outros na cabeça... com roupas diferentes uns dos outros, nem pareciam funcionários da repartição, nem funcionários do espetáculo, o que tira um pouco a magia da peça para o público. Será possível “esconder” os contra-regras com luz, roupa preta ou “dentro do cenário” para girar, entrar e sair? Encarem meu pitaco como sugestão para enriquecer a peça, é este meu desejo. O figurino, também de Clívia Cohen é colorido, bem confeccionado, na leitura anos 80. A luz de Paulo Cesar Medeiros é sempre boa.

O elenco, encabeçado por Tânia Alves, como a secretária chefe, atua e canta com firmeza; Marcos Breda, o hilário chefe mandão, explorando toda sua capacidade de bom ator para comédia; Sabrina Korgut, como a secretária loura, barbie, sempre se sai bem, tanto atuando, quanto cantando, segura e afinadíssima; Simone Centurione, como a novata secretária, um tanto tímida, talvez por conta de seu personagem; Gottsha, fantástica como sempre, impossível ficar quieto diante de sua voz e presença cênica. Seu número musical no banheiro do escritório é um dos melhores da peça. Ainda no elenco, Fabricio Negri é o contador e Cristiana Pompeu, a divertida secretária que bebe antes, durante e depois do trabalho. E mais 12 artistas, cantores e dançarinos compõe o espetáculo.

Todo musical que nos identifica, tanto pelo humor, quanto pela raiva, é de imediata comunicação com a plateia. “Como Eliminar Seu Chefe” certamente será bem recebido por todos que, diferentemente de mim, sempre quiseram, em alguma hora, fazer alguma coisa para prejudicar aquele que tortura os funcionários: o chefe maldito. Tive a sorte de ter ótimos chefes e espero também, sempre, ser um bom e humano chefe. Aplausos para toda a equipe e vida longa para “Como Eliminar Seu Chefe”!

SAMBRA

Desafio qualquer um a ficar parado diante da bateria de uma escola de samba. Tenho certeza que pelo menos seu coração irá bater mais forte. Comigo é sempre assim quando vejo a comissão de frente e a água da Portela. Algo que não se explica. Lágrimas aparecem do nada, sem pedir autorização e rolam com facilidade. Amor? Condicionamento? Não se explica, sente-se.

É com todo conhecimento de causa que Gustavo Gasparani apresenta no Rio mais um belíssimo espetáculo sobre sambas. Não há dúvidas do amor que Gustavo sente pelo ritmo. Desde 2005 vem se dedicando a pesquisas sobre uma dramaturgia genuinamente brasileira. Como resultado, em 2010 lançou, com Eduardo Rieche, parceiro de outros musicais, o livro “Em busca de um teatro musical carioca” (Ed. Imprensa Oficial – SP), um apanhado dos textos de musicais sobre o tema, resultado da pesquisa. Estão na lista “Otelo da Mangueira” (2006), “Opereta Carioca” (2008), “Oui, oui... A França é Aqui!! - A Revista do Ano,” (2010), “As Mimosas da Praça Tiradentes” (2012). “Samba Futebol Clube” (2014) foi o mais recente apresentado. Todos tendo o samba como foco.

Aproveitando as comemorações do centenário do ritmo, surgiu SamBRA, em parceria com a Aventura Entretenimento e a Musickeria. É claro que o ritmo jamais vai morrer. Sempre haverá uma roda de pagode, um compositor novo, um padrinho de olhos e ouvidos atentos, e o mais importante: público ávido por novidades.

Tudo é perfeito em SamBRA. Texto, ritmo, direção, elenco, cenário, figurino, projeções, coreografia, músicos, direção musical, coreografias, técnica, produção. Tudo, tudo e tudo é de alto nível e de excelente qualidade. As escolhas das músicas, a organização do roteiro, bebendo nas melhores fontes, recortando letras e transformando em texto, é um resultado contagiante.

Gustavo, além de assinar o texto, também é o diretor do musical. Esta atividade rendeu indicações e premios no musical sobre a união do samba com futebol, duas paixões nacionais. Não há dúvidas de que indicações virão por SamBra. Entradas e saídas de cena, tanto de cenário quanto elenco, ocupação de todo o palco, alternância de artistas protagonizando cenas, escolha dos momentos de emoção levadas ao extremo. Sábio trabalho.

A equipe é de craques. Vai vendo os nomes: cenário, Helio Eichibauer, figurino de Marília Carneiro e Reinaldo Elias, luz de Paulo Cesar Medeiros, direção musical de Nando Duarte, coreografia e direção de movimento de Renato Vieira, vídeos de Thiago Stauffer. Tudo é harmonioso, bonito e funciona a tempo e a hora com exatidão.

O elenco reúne os nomes mais aclamados, talentosos, afinados e presentes em vários musicais: Gustavo Gasparani, Alan Rocha, Ana Velloso, Beatriz Rabello, Bruno Quixote, Édio Nunes, Lilian Valeska, Mauricio Detoni, Patrícia Costa e Wladimir Pinheiro, que encabeçam o conjunto, com mais 7 integrantes. E o melhor: todos sabem sambar!!

Sem mais delongas, SamBRA fica em cartaz até dia 06 de dezembro (dia do meu aniversário - anotem!). Tempo suficiente para conferir, no Teatro João Caetano, Praça Tiradentes, um dos berços do samba, esta homenagem ao ritmo tipicamente brasileiro (e por que não, carioca?) que está no DNA de todos nós. Ótima oportunidade para assistir a um musical de qualidade, com tema nacional e que valoriza algo que é nosso. O Rio precisa da volta dos antigos espetáculos para turistas e moradores, que falam sobre samba e SamBRA ocupa esta lacuna com mais competência. Torço para que esteja em cartaz durante as Olimpíadas! Vida longa a SamBRA!

KISSE ME, KATE! - O BEIJO DA MEGERA

A primeira palavra que aprendi em Alemão foi Wunderbar. A sonoridade me pegou pela emoção, num misto de graça com palavra definidora: maravilhoso. Aqui, vivemos numa época em que o superlativo é necessário para se valorizar uma emoção. Não se diz mais “ótimo o seu trabalho”, é necessário um singelo “AAAAAAAAADOOOOOOREEEEEEEIIIIIIIIIIIIII” para que se defina, com a realidade esperada, o sentimento. Wunderbar “define” o que é “Kiss me, Kate! O Beijo da Megera”, que estreia esta semana no Teatro Bradesco.

A história do musical, com texto de Sam e Bella Spewack e músicas de Cole Porter (gênio absoluto!), com versão-tradução-obra-prima de Charles Möeller e Cláudio Botelho (M&B), conta a história de um diretor/ator e uma atriz, que tiveram um “lance” no passado, ficando mal resolvido, mas que, agora com os dois trabalhando juntos numa montagem de A Megera Domada, de William Shakespeare, tem a oportunidade de fazer as pazes e resolver o assunto pendente. Nada como "chamar o Shakespeare" quando a coisa não anda boa... (assistindo ao espetáculo, você saberá o motivo desta frase!)

Charles e Cláudio se superam neste espetáculo pois, além de brincarem consigo mesmos, divertindo a plateia ao máximo, dão uma bicada no teatro de revista, no excelente número musical de Chico Caruso e Will Anderson, aliás divertidíssimos!! A economia de ensaios (apenas um mês, como divulgado) não teve prejuízo algum para a qualidade do trabalho apresentado. Lindos os cenários de Rogério Falcão, amparado em telas plotadas, e, tão lindo quanto, o figurino de Carol Lobato, com destaque para as roupas finais da peça, principalmente os vestidos das atrizes. A iluminação é de Paulo Cesar Medeiros e a Direção Musical de Marcelo Castro. Tudo ótimo!

Destaco ainda o número de abertura do segundo ato, com a fantástica coregorafia de Alonso Barros, daquelas que a gente pega o programa pra ler e decorar o nome do artista que deu vida àquele balé. Sensacional! 

O numeroso elenco, unido e talentoso, tem destaque na volta triunfal de Ivanna Domenyco, como Hattie, aos braços da dupla M&B; e Fabi Bang ótima em números musicais com sua Lois. Guilherme Logullo, Leo Wainer, Jitman Vibranovski, Rubem Gabira, Igor Pontes, Leo Wagner, Marcel Octávio, Beto Vendesteen, Augusto Arcanjo, Giselle Prattes, João Paulo de Almeida, Lana Rhodes, Mariana Gallindo, Patricia Athayde, Thiago Garcia e Tomas Quaresma estão também no elenco.

O brilho maior fica por conta de Alessandra Verney e José Mayer que mostram todo talento vocal e atuação neste espetáculo. Ambos estão dedicados, afinados, carismáticos, cúmplices, enfim, tudo que é necessário para que o musical seja um sucesso.

Voltando a dominar a cena carioca, com este novo musical, Charles Möeller e Cláudio Botelho (além desta peça, os musicais “Nine” e “Beatles num céu de diamantes” podem ser vistos no Rio) devolvem ao seu público todo o carinho que receberam ao longo destes últimos anos em que deram uma pausa nas traduções da Broadway e nos ofereceram homenagens aos brasileiros Chico Buarque e Milton Nascimento. Charles e Cláudio, em "Kiss me, Kate! O Beijo da Megera", mesmo com recursos financeiros menores do que o costumeiro para o gênero musical, puderam contar com o que há de melhor, não só na parte técnica, mas também na parte artística, para voltarem a ser os reis dos palcos cariocas, merecidamente.

Uma coisa fica clara depois de assistir ao espetáculo: não há mais espaço para amadorismo quando o assunto é teatro musical. Há que se abolir a necessidade midiática de rostinhos bonitinhos da TV em espetáculos musicais. É necessário dar espaço a atores preparados, que cantem, dancem e atuem com competência, tudo ao mesmo tempo. Em “Kiss me, Kate! O Beijo da Megera” temos isto, o que o torna excelente em todos os sentidos. É Wunderbar (Maravilhoso)! Uma preciosidade!. Viva a dupla Charles Möeller e Cláudio Botelho!!

OU TUDO OU NADA - O MUSICAL

O tema é recorrente, mas a atualidade permite: crise afeta a todos de alguma maneira. Na área cultural, projetos foram adiados, verbas reduzidas, espetáculos cancelados, tournées encerradas. Todos estamos apertando os cintos para continuarmos na função de levar cultura e diversão à população.

“Temos que deixar de ser financiados pelos governos e nos ampararmos no público, nos tornarmos auto-sustentáveis”. Esta é a visão ideal, que nos impulsiona a seguir adiante. Como fazer? Levar público ao teatro, ao cinema, aos shows, aumentar as vendas de ingressos, livros, discos e derivados. Mas, se o povo está sem dinheiro, como resolver esta equação? Eis o mistério da fé... Eu acredito e tenho fé na nossa arte, na cultura, com meio transformador da sociedade. Então, se queremos uma sociedade nova, educada, culta, temos que ser criativos e começar agora.

Falando nisso, dois amigos amargurados por mais de um ano sem emprego, e tentando buscar alternativas, estão se lamentando quando dão de cara com uma possibilidade um tanto quanto obscena e abusada: se existe mercado para ver homens sarados e fortes, semi-pelados, dançando para mulheres, por que não fazer uma versão com homens “de verdade”, acima do peso, calvos, idade avançada, trabalhadores comuns? É desta ideia que Jarry, personagem principal, que convence o amigo Dave, a reunir mais quatro pessoas para fazerem um número de streep teasse. E assim, juntam-se a eles mais dois trabalhadores da fábrica onde, no passado, ganhavam suas vidas. Depois decidem “abrir teste” para as duas últimas vagas do grupo de seis, e surgem um rapaz baixo, porém bem dotado, e um que atende pela alcunha de Jegue... bem... já podem imaginar o motivo. Com o sexteto formado, hora de ensaiar o show, divulgar e apresentar, mas com uma condição: ou tiram toda a roupa, ou nada feito. Isto é, “ou tudo, ou nada”.

Esta é uma simples sinopse da peça “Ou Tudo Ou Nada - o Musical”, em cartaz no Teatro Net Rio, versão para o teatro musical do filme inglês “The Full Monty”. A adaptação do texto e das letras das músicas é de Artur Xexéo, que tem sempre um bom olhar brasileiro nos seus trabalhos de dramaturgia para teatro, como em “Nós sempre teremos Paris”, seu musical mais aplaudido.

A montagem brasileira tem idealização e direção de Tadeu Aguiar. Cada vez mais craque, Tadeu tem, neste espetáculo, um de seus melhores trabalhos de direção. Sua forma de conduzir a história, com calma, deixando os acontecimentos e os atores falarem por si, contrasta positivamente com a marcação rígida e ritmada, não só do elenco, mas do cenário também (assinado por Edward Monteiro). Aliás um belo cenário de uma fábrica, com portas de correr, escadas de ferro, mezanino (onde ficam os músicos). Gosto muito dos biombos com rodízios que trazem janelas e portas para o palco, criando pequenos ambientes, rápidos de serem montados, com destaque para o banheiro da boate.

Tadeu apresenta um espetáculo ao mesmo tempo leve, divertido, competente, tecnicamente impecável, de alta qualidade, entre outros adjetivos positivos. Ótima a cena do velório, com uma projeção de cemitério sobre o cenário da fábrica (uma beleza!) acrescido de um número musical emocionante – direção musical assinada por Miguel Briamonte que também está ao piano com Daniel Sanches. Os músicos são Josias Franco, Ricardo Hulck, Marco Moreira nos sopros, Marcelo Rezende na guitarra, Leandro Vasques no baixo e Tiago Calderano na bateria. Aplausos também para o figurino de (sempre competente dupla) Ney Madeira e Dani Vidal, a luz de Daniela Sanchez e David Bosboom, e a coreografia de Alan Rezende.

No elenco, Mouhamed Harfouch, Claudio Mendes, André Dias, Victor Maia, Carlos Arruza e Sérgio Menezes são os “homens normais” que se reúnem para tentar salvar suas contas bancárias através do número para mulheres. Mouhamed é o protagonista e encara de frente o desafio, sem titubear. Cláudio Mendes, Victor Maia e André Dias, são os responsáveis pelos momentos mais divertidos da peça. André, além de bom ator, é o cantor mais marcante. O garoto Xande Valois tem ótimos momentos. Patrícia França e Kacau Gomes são sempre competentes e cantam bem. Mas é Sylvia Massari que, quando entra, muda a regra do jogo... ops... isto é coisa de novela... Sylvia canta, dança, representa, faz graça e se empresta para um personagem divertido e cativante! Completam o elenco, Samantha Caracante, Carol Futuro, Sara Marques, Larissa Landin, Fabio Bianchini, Felipe Niemeyer e Gabriel Peregrino. Ufa!

É desta garra, criatividade, competência, força-tarefa e entrega de toda a equipe, que o teatro (e quem sabe nosso país?) precisa para dar a volta por cima neste momento de Lei Seca Econômica. Não tenho a menor dúvida de que esta temporada, com produção de Eduardo Bakr, será um sucesso e que, com este espetáculo estamos dando um novo passo na cena teatral carioca, onde a sustentabilidade vai fazer as pazes com a plateia. Por um mundo onde os espetáculos sejam, novamente, de terça a domingo! Viva o teatro, vida longa a “Ou Tudo Ou Nada - o Musical”! 

PEQUENOS PODERES

Estamos em uma época onde qualquer tema se relaciona à política ou ao momento em que vivemos, ou, ao contrário, o momento em que vivemos inspira a soma de espetáculos relevantes e que estão fotografando a realidade brasileira? Ainda não surgiram espetáculos especificamente políticos, como na época de “Eles não usam black tie”, mas o teatro está se utilizando de musicais, tragédias gregas e comédias para mostrar a quantas anda a nossa sociedade.

Na tese sobre Behavorismo Radical, da psicóloga Denise Torós, “As primeiras tentativas do homem para controlar os demais fora grosserias, apoiando-se, em grande parte, no uso da força. Sons, gestos ameaçadores, ou mesmo força física, eram técnicas pouco sutis. À medida que o homem adquiriu a fala, as palavras tornaram-se um veículo adicional para influenciar os outros. À força física foi acrescentada toda uma gama de técnicas verbais, de apelos emocionai e argumentos de raciocínio e inteligência”

Posto isto, está no Teatro Gláucio Gil até 16/12, e espero que circule por muitos outros teatros, a comédia “Pequenos Poderes”, ótimo texto de Diego Molina. O espetáculo, dividido em esquetes, muito bem costurados pela direção de Breno Sanches, mostra histórias engraçadas, corriqueiras e elevadas à enésima potência do absurdo para que possamos enxergar toda a loucura que nos cerca. Tem assalto a banco transformado em empréstimo, tem professora humilhando aluno, tem padre penitenciando pecador, tem entrevistado que reage a jornalista sem noção, tem juiz sendo engolido pela disputa de advogados... enfim, pequenos poderes do dia a dia.

Breno Sanches contribui imensamente para a valorização do texto. Não são simples esquetes, mas, sim, sucessão de histórias interligadas, mesmo uma não tendo nada a ver com a outra. Breno caprichou na ligação, na troca de cenário (de Diego Molina). Criou pequenos quadros hilários para dar tempo dos atores mudarem mesas e cadeiras, figurino (de Bruno Perlatto) e iluminação (de Ana Luiza de Simoni), apoiados numa trilha sonora competente (de Armando Babaioff, DJ da festa SOPA). Além disso, Breno se preocupa com a dicção, com o posicionamento, com a seriedade da brincadeira. Tudo ali está pensado e estudado. Um trabalho de direção que merece reconhecimento.

Será que nunca faremos senão confirmar a incompetência da América católica, que sempre precisará de ridículos tiranos? Será, será, que será?

O quarteto fantástico, formado por Bia Guedes, Mariana Consoli, Andy Gercker e Zé Auro Travassos, não poderia estar mais afiado e dedicado ao trabalho. Quatro comediantes da melhor qualidade, primeira linha do humor carioca, jovens atores que já tem muito a dizer e a mostrar. Além de suas ótimas interpretações, estão atentos ao colega, atuando mesmo em silêncio sem ofuscar quem está com a palavra. Destaque para a advogada sem um braço e a professora de Bia Guedes, a beata, a ex-rica e a gerente do banco de Mariana Consoli, o padre e o menino de Andy Gercker, e o assaltante e o machão pecador de Zé Auro. Morrer e matar de fome, de raiva e de sede são tantas vezes gestos naturais.

Já dizia Caetano, enquanto os homens exercem seus podres poderes, vemos por aí vários exemplos de pequenas medições de força, pequenos usos de poderes, para que uma pessoa possa fazer exatamente aquilo que a outra quer que seja feito. Eu quero aproximar o meu cantar vagabundo daqueles que velam pela alegria do mundo e me sinto parceiro deste sensacional grupo que montou este espetáculo. Gargalhei vários momentos e o sorriso não saiu dos lábios enquanto assisti ao espetáculo. Então... corra, pois só temos mais 2 semanas na Casa da Gávea, e não perca “Pequenos Poderes”. Comédia da melhor qualidade! Viva o humor carioca!

O BEIJO NO ASFALTO - O MUSICAL

Já é lugar comum falar da atualidade de textos de Martins Pena e Nelson Rodrigues. Nada muda, impressionante.

Temos em “O Beijo no Asfalto” o poder da mídia influenciando a sociedade. Sou sempre a favor da liberdade de expressão, deixo claro de imediato. Nesta época em que se diz por aí “mídia golpista” como jargão da turma que defende o governo – se é mesmo golpe da mídia não importa, mas em se tratando de influenciar as massas, nossa mídia é craque – este espetáculo não poderia ser mais oportuno.

No filme “A montanha dos sete abutres”, um jornalista posterga o resgate de uma pessoa, que levaria míseras horas, para 6 (seis!) dias, pois o assunto rende matéria e dinheiro. Em Harry Potter, a caluniosa Rita Skeeter sacaneou o quanto pode Alvo Dumbledore e o nosso herói Harry. E quantas outras histórias ouvimos por aí... um colégio que fechou por causa de uma reportagem do Jornal Nacional, um conhecido que foi perseguido depois de seu nome ser veiculado na Linha Direta... Denegrir a imagem, gerar controvérsias, causar comoção, é moleza para a mídia, seja ela golpista ou reveladora. Temos que ter cuidado, nesta época de redes sociais, sobre o que se compartilha como verdade. Procure saber, já diz a turma dos direitos autorais.

João Fonseca sugeriu brincando, mas Cláudio Lins levou a sério: um musical numa peça de Nelson Rodrigues. Partiu para compor as músicas e nos apresenta, no Teatro Sesc Ginástico (até fim de outubro), e depois no Teatro das Artes (em novembro), o espetáculo “O Beijo no Asfalto – o musical”. Na peça, escrita em apenas 21 dias por Nelson, um homem dá um beijo na boca de um moribundo. Um beijo simples, ingênuo, uma boa ação apenas. Porém... a tal mídia resolve transformar o acontecido em manchete e transforma a vida, gera revelações familiares, muda a história de Arandir, o beijoqueiro. É cunhada se oferecendo, é esposa desconfiada, é sogro agressivo, é colega de trabalho tirando sarro... Arandir sofre o diabo por causa de sua atitude singular.

O espetáculo, texto de Nelson, é apresentado na íntegra, com a inserção das músicas compostas por Cláudio Lins. São números musicais ilustrativos que acrescentam à história pensamentos, reflexões e atitudes de alguns personagens diante do absurdo causado pela publicação. Cláudio tem berço e DNA para escrever belas canções, temas que são recorrentes durante a peça, e que são interpretados por cantores-atores da melhor qualidade em nosso quadro de artistas.

O cenário do Nello Marrese é composto de telas de arame, formando paredes e portas, servindo para pregar jornais, chapéus, roupas. As movimentações de algumas telas pelo palco proporcionam a divisão de ambientes, favoráveis para se contar a história. O figurino de Cláudio Tovar é sempre bonito e caracteriza a época. Luiz Paulo Neném ilumina a história separando o momento de texto dos números musicais. Com a trilha original, Délia Fischer assina a direção musical, variando ritmos, de samba a tango, de rap a funk, amparada por 5 músicos.

O próprio Cláudio Lins atua com Arandir, o rapaz que beija. Cláudio compõe um frágil homem atônito pelo rumo de seu gesto de compaixão. Laila Garin é Selminha, a esposa que, a princípio fica do lado do marido, mas com a pressão da sociedade... Laila reafirma que seu potencial vocal como cantora é fantástico. Sua interpretação de Selminha é muito cativante. Gracindo Jr, sempre ótimo, é o pai de Selminha. Yasmin Gomlevsky, como Dália, irmã de Selminha, tem notável amadurecimento profissional, atuando e cantando cada vez melhor. Thelmo Fernandes, como Amado Ribeiro, é o típico jornalista oportunista. Cláudio Tovar, adorável em cena, é o delegado Cunha. Jorge Maya é Aruba, ajudante de ordem da delegacia. Responsável pelas gargalhadas da plateia com seu bom humor cativante em cena, Jorge nos brinda com seu vozeirão e afinação. Janaina Azevedo é a vizinha fofoqueira, cantando muito bem. Gabriel Stauffer interpreta o homofóbico colega de trabalho de Arandir. Pablo Ascoli é o rapaz beijado no asfalto por Arandir, com presença cênica marcante tanto na atuação quanto nos números musicais. Completam o elenco Juliane Bodini, Ricardo Souzedo e Juliana Marins.

João Fonseca aceitou o desafio de unir Nelson Rodrigues com músicas novas. A alternância dos números com os textos tem um bom resultado. João, aproveita o momento das discussões GLBT e amplia, com gestuais e entonações para determinadas frases dos colegas de trabalho e equipe da delegacia, a discussão da homofobia da história sem abafar o tema principal, que é o poder da mídia. Destaque para a cena em que Selminha, sentada na cadeira lendo o jornal, está na dúvida entre ir ao encontro do marido ou abandoná-lo, quando se levanta e sai, dando lugar a Arandir, que assume a cadeira, também lendo o jornal, à espera da esposa e tentando entender o que fizeram com sua vida. Desde o início, João mantém o clima de tragédia e mistério em torno do futuro de Arandir e a tensão na história cresce ao longo da apresentação.

O casamento entre Nelson Rodrigues e músicas criadas especificamente para o espetáculo é uma proposta ousada e inovadora. Cláudio Lins foi feliz nesta realização, na escolha da equipe que o cerca e o resultado é de qualidade. Temos números musicais que completam a cena e a história preservada. Uma novidade que poderia servir de inspiração para outras peças de teatro, a fim de se fugir dos musicais biográficos.

“O Beijo no Asfalto - o musical” é um ótimo trabalho de equipe, que pega carona na discussão sobre o poder da mídia nas divulgações das operações da Polícia Federal, pedaladas e lava-jatos da vida, que anuncia a altos brados os políticos do partido do governo envolvidos mas esconde os nomes dos políticos da “oposição” nos seus tabloides. “O Beijo no Asfalto - o musical” desnuda farsas jornalísticas, como a da revista Veja que publicou matéria sobre as contas falsas do Senador Romário e não deu uma linha sequer para as contas verdadeiras, na Suíça, do Presidente da Câmara dos Deputados.

Aqui neste espaço tento influenciar você, leitor, a seguir as minhas dicas de teatro para que assista aquilo que eu mais gostei na programação disponível. Então, se você gosta de Nelson Rodrigues, aprecia boa música e quer ser influenciado pela minha opinião, vá já ao Sesc Ginástico e não perca este “O Beijo no Asfalto - o musical”!

THE PILLOWMAN - O HOMEM TRAVESSEIRO

Seria possível quantificar a influência que um livro pode ter na vida de uma pessoa? Principalmente em seu comportamento? Livros de auto-ajuda estão aí para isso mesmo. Mas a que ponto um romance, um conto, uma história infantil pode servir de influência para alguém cometer um crime?

Faz um tempo comprei numa livraria (ao vendedor prometi jamais confessar qual delas foi) um exemplar de “O Livro Maldito”, de Christopher Lee  Barish. Neste, pode-se aprender desde um simples falsificar de dinheiro (papel moeda) até mesmo como fugir da prisão. O livro, se não me engano, não pode ser comercializado. Mas está à disposição de quem quiser comprar o livro ˜Como Influenciar Pessoas e Fazer Amigos”. Ora veja você, se é possível influenciar uma pessoa, segundo o livro, a roubar, matar, praticar qualquer um dos sete pecados capitais, então este livro também não deveria estar proibido de venda? Vai saber o critério... O que importa é quem irá utilizar este ou aquele livro e para qual propósito.

Está em cartaz no Teatro Poeirinha o genial espetáculo “The Pillowman – O Homem Travesseiro”, texto do inglês Martin McDonagh e traduzida por Bruno Guida. A história gira em torno de um interrogatório que dois policiais fazem a um escritor, e ao seu irmão retardado, porque seus textos, suas histórias, são muito parecidas com crimes que estão sendo cometidos na cidade onde vivem. Por exemplo, a história de uma menina que come pedaços de maçã com lâminas de barbear e de um garoto que tem seus dedos do pé decepados. Sim, é um texto para se ter sangue frio e ser forte. Tanto o autor quanto o tradutor não nos poupam dos detalhes sórdidos dos contos. E todo o processo de interrogatório gira em torno da pressão psicológica sobre o escritor o que acaba resultando praticamente em uma terapia, pois tanto o investigado quanto os investigadores expõem seus problemas comportamentais durante o espetáculo. O escritor é acusado de cometer os crimes. Será ele mesmo ou culpado? Terá ele influenciado alguém? Ou seja, um texto brilhante.

Na parte técnica, Ulisses Cohen nos oferece um cenário bastante interessante com mesas e cadeiras de metal, barulhentas de propósito e ao mesmo tempo leves como necessário. A disposição dos objetos no palco mostra que ali é uma sala de delegacia exclusiva para interrogatórios, daqueles dos mais violentos. O figurino de Daniel Infantini é ótimo!! Vi um universo Tim Burton, com pitadas de “Meu Malvado Favorito”. A iluminação de Aline Santini usa e abusa favoravelmente do clima sombrio, com fumaça ambiente, um fog, desenhando os fachos de luz.

A direção de Bruno Guida e Dagoberto Feliz é fascinante. Desde o inicio da peça, ao caminhar dos atores fazendo barulhos no chão, passando pela utilização do palco, pausas, respirações e climas construídos com precisão, tudo funciona perfeitamente bem. Destaque para a oficina de bufão pela qual os atores passaram. A utilização do grotesco divertido é levada a sério! Apaixonante este trabalho.

E são os atores que se entregam de tal modo ao espetáculo que ficamos extasiados, sem piscar, boquiabertos, saboreando cada frase, cada momento deles no palco.  Bruno Autran é o irmão retardado do escritor, também interrogado, mas em outra sala. Sua interpretação nos comove e ao mesmo tempo entendemos a dependência amorosa deste irmão pelo seu ídolo, o escritor. Flavio Tolezani é o escritor. Além de atuar com verdade, Flavio é um ótimo contador de histórias. Os contos/textos do escritor interrogado são narrados por Flávio/escritor e o trabalho é ótimo. Bruno Guida é o investigador subalterno, querendo mostrar serviço ao mesmo tempo que se apresenta afoito. Ótimo seu trabalho. Wandré Gouveia interpreta papeis distintos e contribui para o entendimento e ilustração do espetáculo.

Mas é de Daniel Infantini a brilhante e espetacular interpretação do investigador principal. Desde sua primeira entrada em cena até sua última fala, gestos, palavras, comportamento, atitude, pausas, Daniel aproveita tudo. Até calado Daniel está interpretando, no olhar, com presença cênica, sendo completo em sua atuação. Sem duvida a melhor interpretação vista por mim no teatro carioca em 2015.

Até que ponto textos de um escritor influenciam outras pessoas? Só as mentes fracas e desajustadas podem cometer um crime por conta do que leram nos livros? Quantas crianças são pegas em cima dos armários tentando voar como super-homem?

O Homem Travesseiro é um espetáculo obrigatório para todos que amam o teatro. Gosto de um bom texto, onde se pode fazer a análise comportamental das pessoas diante de situações adversas. Uma aula de interpretação e direção, um prato cheio para psicólogos levarem para salas de aula e debaterem a peça. Tudo ali é ótimo, bem resolvido, bem pensado, bem executado. Sem duvida um dos melhores espetáculos deste ano. IMPERDÍVEL!

ELECTRA

De que lado está a verdade? Até que ponto a cegueira por justiça versos defesa do amor são responsáveis pelas grandes tragédias humanas?

Clitemnestra matou Agamenon, seu marido, porque este matou sua filha, Ifigênia, para agradar a deusa Artêmis a fim de que “auxiliasse” o exército de Agamenon com o objetivo de vencer a guerra contra Tróia. A guerra é resultado da traição de Helena, esposa de Menelau. Fofoca típica de novela de Manoel Carlos. Clitemnestra, mãe de Ifigênia, sofreu com a morte da filha e, por justiça, matou o marido. A novela continua, agora com viés de vingança de João Emanoel Carneiro. Esta é a argumentação da mãe de Electra por ter matado o marido. Já Electra, que defende o pai, e para vingar sua morte, planeja, com seu irmão Orestes matar sua mãe, Clitemnestra. Pela visão de Electra, matar para vingar uma morte é tão ou mais “pecador” que o primeiro delito. Electra a acusa de ter-se aproveitado da oportunidade para matar Agamenon, a fim de que seu amante, Egisto, comandasse o reino de Argos. Bem, historiadores que me perdoem, mas é mais ou menos assim a base desse barraco familiar da antiguidade, que se passa no Egito, cenário das belas novelas de Glória Perez.

Sou totalmente contra pena de morte. O inferno é aqui. O inferno são os outros. Aqui se faz, aqui se paga. Morreu, acabou, deu-se bem o morto que, morto, não paga. Já quem fica, sofre, mesmo tendo sido feita justiça com as próprias mãos.

Mas o que importa nisto tudo é que está em cartaz no Espaço Sesc, teatro de arena, o nosso Maracanã do teatro, ELECTRA, a tragédia grega de Sófocles. Neste espetáculo temos a supervisão de texto de Fernanda Schnoor. O coro é condensado em um só homem, Corifeu, chefe do coro. Pílades, amigo sem fala de Orestes também não está ali, mas sua falta nem é sentida. Ambas as decisões (coro + Corifeu e retirada de Pílades) são positivas para a montagem. Li no programa que todos beberam na fonte de Antônio Abujamra cuja adaptação serviu como base para o trabalho. Abujamra sempre foi mestre. Salve!

A cenografia de Nello Marrese, sempre moderna e atual, é composta de pallets, estrados de madeira, que servem como pequenas montanhas, montes, escadas. Que facilita e auxilia na interpretação e movimentação cênica. Gosto muito da serragem ao redor dos pallets, simulando terra, deserto, dando um efeito bastante interessante. O figurino de Marília Carneiro e Reinado Elias são bonitos, necessários para que se entenda onde está localizada a trama, e identificar quem sofre e quem manda. Destaque para a túnica de Clitemnestra e de Corifeu. A luz do sempre eficiente Luiz Paulo Neném é bem trabalhada, brincando de xadrez nos pallets, colorindo de vermelho na morte, abrindo o sol quando necessário. A trilha sonora de João Bittencourt é moderna, televisiva e cinematográfica. Senti falta de um “som” na morte de Clitemnestra (#ficaadica! – ou não, como diria aquele compositor baiano).

João Fonseca é o diretor desta montagem clássica, necessária nos tempos atuais. Como sempre, João sabe chegar ao objetivo, que é contar a história e fazer as pessoas se envolverem no espetáculo. Não é fácil dirigir um clássico – e que clássico! – Existe um limite entre o naturalismo e o dramalhão mexicano. Os atores ficam o tempo todo nesta corda bamba, para que o espetáculo seja o correto, e não caia em nenhuma armadilha. João dá conta, mantém todos na linha e a montagem é muito boa, um clássico como tem que ser.

O elenco masculino, formado por Francisco Cuoco, como o Preceptor, tem uma das suas melhores interpretações em teatro. O sempre ótimo Mário Borges é Corifeu. Ricardo Tozzi como Orestes, mostra a força e a fraqueza do irmão de Electra, quando fica em dúvida e desespero no momento em que se defronta com a mãe assassina. Já para as “meninas”, temos o lado carismático e doce de Paula Sandroni como a irmã Crisôtemis, que se rende ao sistema para não sofrer nem ser perseguida. Seria uma decisão sábia? Cada um sabe o que lhe dói mais. Camilla Amado é Citemnestra, defendendo o ponto de vista da rainha, da mãe, da amante, mesmo diante da incompreensão dos filhos. Vemos ali que ela também está em dúvida sobre estar certa ou errada, pedindo sempre ajuda aos céus, aos deuses, a Apolo, que não a abandone, que mostre caminhos. Camilla empresta verdade, é uma das melhores atrizes e vê-la em cena sempre é uma aula. Porém, Electra, de Rafaela Amado, é a estrela, a protagonista, desta história. Rafaela está altiva, forte, corajosa, não há dúvidas de que sua Electra sofre, e muito, “Ai de mim!”, pela injustiça, pela falta do irmão, pela “tucanagem-coxinha” da irmã em cima do muro, pelo pai ausente. Rafaela tem ainda o desafio de ter a sua frente sua mãe biológica. E como odiar a personagem mãe diante da realidade da mãe de verdade? No palco está a resposta. Duas atrizes se enfrentam de peito aberto, corajosamente, para que a história seja contada com eficiência.

Além do já dito, existe um fundo sócio-politico impossível  de separar do momento em que vivemos. Como diz João, no programa, “...para Sófocles o que importa é que ninguém pode usurpar um poder que não é seu e abusar deste poder para acabar com a liberdade de seus opositores”. O que vemos, de todos os lados de nossa política, é um querendo acabar com a liberdade do outro lado. Por isto Electra se mostra bastante atual em sua montagem. Teria muito a dizer sobre comportamento humano neste espetáculo. Falar sobre, como diz Camilla, e eu concordo, “todos somos animais ferozes quando maltratados. E Electra é uma representante exemplar deste animal”, mas fico por aqui, para não falar demais, pois quem muito fala, muito erra.

Um espetáculo importante neste momento, um clássico, que merece ser visto por todos. É disto que precisamos para mostrar às novas plateias que o teatro está vivo e que temos que valorizar esta arte. E termino com a última frase de Orestes: “É preciso acabar com os que abusam do poder”. Viva Camilla Amado, viva Electra!